L'atelier de peinture de l'ACA de Huy

La ville « Lumière »

Deux jours à Paris les 26 et 27 juin

emportez votre carnet de musée...et un bic noir!

85€ compris dans le prix :

Trajet A/R en autocar, trajet Paris-hôtel en autocar, repas du soir, nuit en hôtel, petit déjeuner, trajet hôtel-Paris.

Au programme :

Mardi 26: départ à 6h30 de Huy et à 7h de Ciney

- au Musée Maillol : « Artémisia »

Artemisia Lomi Gentileschi (née le 8 juillet 1593 à Rome, morte à Naples vers 1652 ) est une peintre italienne de l' école caravagesque. Vivant dans la première moitié du XVII e siècle, elle reprend de son père Orazio la limpide rigueur du dessin en lui rajoutant une forte accentuation dramatique héritée de l'oeuvre du Caravage et chargée d'effets théâtraux.

Temps libre

Musée d’Orsay : « Degas »

Première grande exposition monographique consacrée à Edgar Degas (1834-1917) à Paris depuis la rétrospective de 1988 au Grand Palais, Degas et le nu participe de l'ambition du musée d'Orsay de donner à voir l'avancée des connaissances sur les grands maîtres de la deuxième moitié du XIXe siècle, après les hommages à Claude Monet (1840-1926) et Edouard Manet (1832-1883).

Cette exposition explore l'évolution de Degas dans la pratique du nu, de l'approche académique et historique de ses débuts à l'inscription du corps dans la modernité au cours de sa longue carrière.

Temps libre

19h- rdv dans Paris pour se rendre à l’hôtel « Inter Hotel Bagatelle » Goussainville (20 min de Paris) installation et souper à 20h

L'INTER-HOTEL Bagatelle est la solution idéale pour les clients venant à Paris pour affaires. En effet. cet établissement moderne propose de confortables chambres près de l'aéroport de Roissy et de Villepinte . Grâce à sa position stratégique à Goussainville. une banlieue verte. Paris n'est qu'à 15 minutes. Cet INTER-HOTEL dispose d'un lounge bar. ...

20h repas du soir à l'hôtel

avis des clients:

Mercredi 27:départ 9h de l’hôtel pour Paris

l'Orangerie : collection perm. + Nymphéas de Monet

Comme son nom l’indique, le musée de l’Orangerie est installé dans une ancienne orangerie, édifiée en 1852 par l’architecte Firmin Bourgeois et achevée par son successeur, Ludovico Visconti pour y abriter les orangers du jardin des Tuileries...un musée étonnant!

Temps libre

Centre Pompidou : « Gerhard Richter »

L'artiste allemand Gerhard Richter naît le 9 février 1932 à Dresde.

Gerhard Richter entreprend des études de peinture à l’Académie des beaux-arts de Dresde en 1952. A la Documenta II de Cassel en 1959 il découvre la peinture de Jackson Pollock et de Lucio Fontana.

Gerhard Richter grandit sous le national-socialisme, puis vit 16 ans de communisme en Allemagne Orientale avant de s'installer en Allemagne de l'Ouest en 1961.

À la fois photographe du quotidien et peintre, Gerhard Richter reproduit sur la toile les sujets de ses photos. C'est un fanatique de photographies en tout genre. Gerhard Richter utilise la peinture à l'huile ou la peinture laquée pour révéler, mais aussi parfois détourner, le sens de ses clichés. L'artiste joue avec les paysages, les natures mortes ou les villes immortalisés sur tirage.

"Je me méfie de l'image de la réalité que nos sens nous transmettent car elle est limitée et incomplète"

Gerhard Richter

Temps libre

18h départ pour la Belgique

!!!! inscriptions rapides !!!!

Le voyage se réalisera si nous sommes 30 personnes minimum

auprès de Laurence Burvenich

0495/66.01.58

ou au secrétariat de Huy:

Angélique 085/21.55.53

Lucian Freud :

exposition posthume à Londres de 130 portraits sans concession

Il s’était promis de peindre tant qu’il en aurait la force : Lucian Freud, décédé l’été dernier à 88 ans, travaillait encore à sa dernière toile deux semaines avant sa mort, un portrait dévoilé pour la première fois à l’occasion d’une grande rétrospective à Londres.

130 œuvres retraçant 70 années de travail intense d’un artiste obsédé par le rendu de la chair : la National Portrait Gallery propose « la plus grande exposition » jamais consacrée depuis dix ans au peintre britannique et la première entièrement centrée sur ses portraits et nus.

Dans son atelier, le peintre, plutôt que de recourir aux modèles professionnels, a fait défiler amis, artistes, femmes, maîtresses ou ses nombreux enfants – légitimes ou illégitimes – entremêlant vie privée et artistique.

Il les a peints sans complaisance, sous un jour cru, les mettant en scène allongés par terre, sur un vieux matelas ou à côté d’un tas de chiffons, parfois jambes écartées, sexe à nu. Un travail de « biologiste », selon le peintre, qui ne dissimule ni les marques du temps, ni les chairs flasques. Freud voulait que « l’expression soit dans le corps et que la tête ne soit qu’un des membres ».

La reine Elizabeth elle-même, qui a posé pour lui, n’échappera pas à ce regard aigu. L’artiste livrera un petit tableau, à mille lieux des habituelles représentations flatteuses de la souveraine. « Je n’ai jamais pu peindre des choses que je n’avais pas là, sous mes yeux. Tout est autobiographique et tout est portrait, même si ce n’est qu’une chaise », expliquait Freud.

La confrontation de ses premières toiles avec les oeuvres de maturité permet de mesurer toute l’évolution de sa technique, devenue plus puissante, plus brutale, avec des empâtements de blanc, des coups de pinceaux plus denses.

Ses modèles étaient soumis à des séances interminables, dans des poses souvent très inconfortables, façon de porter sur eux un regard renouvelé. « Il a probablement passé plus de temps à peindre ses portraits que la plupart des artistes », explique Sarah Howgate, commissaire de l’exposition. Il lui aura ainsi fallu 130 heures pour celui du peintre David Hockney.

Parmi ces modèles, Sue Tilley, employée d’un centre d’allocations sociales, à laquelle le peintre a consacrée plusieurs toiles, dont une représentant cette femme très plantureuse, endormie sur un canapé comme une monumentale odalisque. Elle s’est vendue en 2008 35 millions de dollars, un record absolu pour une œuvre du vivant de son auteur….

Très riche, Freud vivait simplement dans une maison de Londres, avec son atelier à l’étage.

Né en 1922 à Berlin, il avait émigré à Londres dès 1934 avec ses parents, pour fuir le nazisme. Son grand-père, le psychanalyste Sigmund Freud, les avait rejoints en 1938. Fêtard et joueur dans sa jeunesse, il s’est consacré de plus en plus à la peinture avec l’âge.

Sa dernière œuvre, il l’a commencée près de quatre ans avant sa mort. Et n’a pas réussi à l’achever, bien qu’il ait continué à peindre jusqu’à ce que ses forces l’abandonnent. A la fin, au lieu de ses cinq heures de travail matinal habituel, il « peignait une demi-heure et devait s’arrêter », a raconté son assistant et ami David Dawson. C’est lui qui pose nu dans cet ultime témoignage, étendu à côté d’un chien, thème récurrent chez Freud pour rappeler l’animalité de l’être humain.

« Freud est un des grands peintres figuratifs de la seconde moitié du XXe siècles », estime Sandy Nairne, directeur du musée. « A cette époque, beaucoup d’artistes s’engagaient dans d’autres voies. Lui est resté fidèle à son idée que l’humain était le plus important sujet de la création artistique ».

Lucian Freud Portraits du 9 février au 27 mai, National Portrait Gallery à Londres

Ce mercredi 25 avril, à l'atelier, nous avons renoué avec le métier de peintre " primitif flamand"

voici un résumé pour ceux qui n'ont pas eu la chance de découvrir et pratiquer la technique

Colle de peau de lapin en plaques ou en grains.

La colle de lapin est utilisée depuis longtemps dans de nombreux domaines.

Additionnée d'eau, de blanc de meudon, ou de pigments pour fabriquer de la peinture ou des enduits colorés.

Sa grande souplesse permet aussi son utilisation pour enduire des toiles. Pour "marouffler " papiers, tissus, toiles...

L'aspect des colles de peaux: poudre, flocon, granulé, plaque

ici, concassez la colle en plaque en petit morceaux, placez dans un bocal Pyrex.

En grains ou en plaques ?

Certains préfèrent les grains car il est plus facile de mesurer leur poids et de les réduire en poudre. Par contre, quelques auteurs affirment que les plaques sont plus pures, à vérifier!

recette

Faire tremper 100gr de colle de peau de lapin dans 1 litre d'eau la veille.

Faire chauffer la colle+eau dans un pot Pyrex, au bain-marie, en tournant régulièrement.

NE PAS FAIRE BOUILLIR LA COLLE

Appliquez une ou deux couches de colle pour la première étape: l'encollage. Séparons ainsi le bois du reste de la couche picturale, collons également de la fine toile, papier, textures fines: sable fin, sciure de bois.

Réchauffement

La colle se réchauffe au bain-marie, bien mélanger régulièrement afin d'éviter la formation d'une peau à la surface. Donc à feu doux, et avec un œil dessus...

La colle de peau refroidie, devenue "gel" se conserve 4 ou 5 jour au frigo.

Rappel : la température de liquéfaction de la colle de peau est ≥ 37°C.

La colle s'applique à chaud (elle se gélifie en refroidissant) . Il vaut mieux éviter de la réchauffer trop souvent: le truc, une fois qu'elle est préparée et encore chaude, est de la répartir dans plusieurs petites bouteilles en verre (type bouteille de jus de fruits); on ne réchauffera ainsi qu'une petite quantité à la fois.

Le mieux est d'avoir un chauffe-biberon, dans lequel on fera réchauffer cette petite bouteille (s'assurer qu'elle a la bonne taille).

Une estimation du nombre de supports enduits avec 1 l de colle +/- 4 m2

Préparation du "gesso"

Qu'est-ce que le "gesso"?= primer

Les anciens gessos


Gesso, dans plusieurs langues européennes, signifie plâtre. Le plâtre amorphe, les marnes (blancs naturels - blanc de Meudon) et craies mêlés à des colles (colle de peau, tempera, caséine) ont servi longtemps comme apprêts blancs ou comme badigeons, tant en peinture artistique que décorative, en dorure et en ébénisterie.

L'étape suivante, c'est la pose de la PRÉPARATION. Elle permet une meilleure accroche de la peinture, mais aussi d'avoir une surface plus ou moins lisse (et quand on aime les détails, c'est beaucoup plus confortable de travailler sur une surface très lisse). Fabriquer soi-même sa "préparation maigre" permet le ponçage, impossible avec les préparations toutes prêtes vendues dans le commerce, appelées "gesso".

Et l'ingrédient de base dans ces deux étapes, c'est LA COLLE DE PEAU.

Appliquez le mélange à l'aide d'un pinceau poils doux, splater ou couteau de peintre. Fine couche.Poncez entre les couche si vous désirez obtenir un surface lisse.

Placer dans 1 litre de colle (100gr colle+1l d'eau) 400 gr de blanc de Meudon= fond blanc cassé. Bien mélanger la substance, si nécessaire filtrez afin d'en retirer d'éventuels grumeaux...

Utiliser des pinceaux souples si vous désirez une surface bien lisse, ou poncer entre les couches sèches.

Ci- contre le blanc de Meudon, craie finement broyée.

Placer dans 1 litre de colle (100gr colle+1l d'eau) 300 gr de blanc de Meudon+100gr de blanc de Lithopone= fond bien blanc.

Gessos contemporains :Meudon+Lithopone

Appliquez le mélange à l'aide d'un pinceau poils doux, splater ou couteau de peintre. Fines couches.Bien attendre que les applications soient sèches avant d'en superposer d'autres.

Poncez entre les couches si vous désirez obtenir un surface lisse. Placez 3 ou 4 couches, certains en place bien plus mais ça devient du vice!

Votre support est encollé, et enduit, il ne lui reste plus qu'à être peint:

- à la Tempera

-à l'huile

- à l'encaustique et patine de cire+ pigments

Car si ce support est préparé de manière traditionnelle et naturelle, autant travailler avec les techniques qui le sont aussi, on ne va pas peindre à l'acrylique sur autant de préparation!

un concert émotion

un concert très prenant, une puissance, une émotion assurée!

 

d'ailleurs on en dit ceci:

“ The music of Karl Jenkins is a gift to humanity. ”

"La musique de Karl Jenkins est un don à l'humanité "
Terry Waite

 

un extrait de "L'homme armé":

 

http://www.youtube.com/watch?v=ezFNIyyGT2o

 

 

La messe du compositeur gallois Karl Jenkins (1944- ...), "The Armed Man: A Mass for Peace",

a été composée en 1999 en réponse à une commande des armureries royales britanniques qui fêtaient

le millième anniversaire de leur création, et était initialement dédiée aux victimes de la crise du Kosovo.

Les chants incluent des textes d'origines variées

• islamique (l'appel à la prière),
• biblique (des psaumes),
• chrétienne (l'ordinaire de la Messe),
• ainsi que des textes de Rudyard Kipling, d'Alfred Lord Tennyson ou encore d'un survivant d'Hiroshima.

 

http://www.youtube.com/watch?v=Z8VlZOg9iv4&feature=relmfu

Durant tout le concert, projection du film "l'homme armé"

Dans le chœur, parmi la centaine de voix, vous reconnaîtrez certainement un regard généreux, un sourire authentique,

une voix enthousiaste, celle de Margo...

Liste des chants:

 

1. "The Armed Man" – 6:25
2. "The Call to Prayers (Adhaan)" – 2:04
3. "Kyrie" – 8:12
4. "Save Me from Bloody Men" – 1:42
5. "Sanctus" – 7:00
6. "Hymn Before Action" – 2:38
7. "Charge!" – 7:26
8. "Angry Flames" – 4:44
9. "Torches" – 2:58
10. "Agnus Dei" – 3:39
11. "Now the Guns Have Stopped" – 3:25
12. "Benedictus" – 7:36
13. "Better Is Peace" – 9:33

http://www.youtube.com/watch?v=bhKC8CUZjY0

Karl Jenkins
The Armed Man: A Mass for Peace
for soloists, chorus & orchestra
film « The Armed Man »
dedicated to the victims of Kosovo (diffusion simultanée au concert)

13 mai 2012 10 h 30 et 16 h 00
Choeur de garçons « Pueri Cantores » et Choeur de chambre du Conservatoire de la Ville de
Luxembourg | Ensemble vocal de l’Académie de musique de Dinant | Orchestre de chambre
du Conservatoire | Direction : Pierre Nimax jun.

Conservatoire de la Ville de Luxembourg :

 

Auditorium du Conservatoire

 

33, rue Charles Martel

 

L - 2134 Luxembourg

 

T +352 47 96-52 03 begin_of_the_skype_highlighting +352 47 96-52 03 end_of_the_skype_highlighting begin_of_the_skype_highlighting +352 47 96-52 03 end_of_the_skype_highlighting

conservatoire@vdl.lu

renseignements & réservations

 

icket@pt.lu / www.luxembourgticket.lu
Eintritt 10 € / 5 € « KULTURPASS »

 

 

 

Le bleu ne fait pas de bruit...

A l’atelier : Tout notre mois de mai s’articulera autour du bleu, techniques anciennes…Pour la fin mai, j’attends avec impatience :-Vos recettes de bleu, vos mélanges de différents pigments dosés -Vos créations à partir de ce bleu personnel et d’autres couleurs industrielles,

-Formats 20x 20 cm, sur bois mdf de 0,8 mm d’épaisseur (ou qui s’en approche)

-Les photographies de ces créations bleues

-Un texte d’impressions, poésie, citation, extraits divers autour du BLEU

Le tout doit m’être envoyé par e-mai:laurenceburvenich@hotmail.com

afin de créer notre livre de recettes de bleu d’atelier

Un peu d’Histoire…

Le bleu, prédominant dans nos sociétés occidentales, est la couleur qui rassure, qui ne fait pas d'éclat, qui se confond avec la couleur du ciel. Garante d'un conformisme absolu, elle a cependant eu du mal à légitimer sa place dans l'arc-en-ciel.

À l'Antiquité

Le bleu n'était tout simplement pas considéré comme une couleur. Trois raisons principales à cela :

• Pas de bleu dans nos assiettes ! Ou alors, c'est que l'hygiène est suspecte... Méfiance, donc, avec le bleu !
• Dans le ciel, le bleu se confond avec le gris et dans la mer, avec le vert... Comment croire qu'il s'agit d'une véritable couleur stable ?
• Il est difficile de trouver dans la nature les pigments pour le reproduire. L'absence de bleu dans les textes anciens est telle que les philologues du XIXe siècle pensaient que les yeux des Grecs ne pouvaient pas discerner le bleu ! Avec une exception toutefois : l'Egypte des pharaons, où le bleu était censé porter bonheur dans l'au-delà.

• 

  ci-dessus: lapis lazuli

Au temps de Jésus

Dans la Bible, peu de place est faite au bleu aussi. Les couleurs nommées par l'Église sont le noir, le blanc et le rouge). Tout change lorsque le dieu des chrétiens devient un dieu de lumière... or la lumière devient bleue (il n'y a qu'à observer une flamme de bec de gaz pour s'en apercevoir !). Du coup, la Vierge devient le premier argument publicitaire du bleu !

Au Moyen Âge

A cette époque, la société commence à se diversifier, ce qui entraine un besoin de classification, de rangement (c'est aussi la naissance des armoiries, des noms de famille...). Or les 3 couleurs de base jusque-là établies ne suffisent plus à donner un ordre aux choses, un rang aux personnes. On ajoute donc 3 autres couleurs, dont le bleu...

Du Moyen Âge au XVIIe siècle

Le bleu gagne alors du terrain dans la course à la classification des couleurs. Et cela se fait de façon très simple : puisque la Vierge s'habille en bleu, les rois le font aussi ! D'abord Philippe Auguste, puis Saint Louis... Et en trois générations, le bleu déteint aussi sur l'aristocratie, par imitation, ou par mode pour parler en langage moderne. Du coup, les tableaux, les vitraux et les enluminures se teintent de bleu et la couleur se répand dans toutes les couches de la société.

À partir du XVIIIe siècle

Le bleu est alors la couleur préférée des Français et des Européens. Sa technique de fabrication, autrefois coûteuse (on utilisait le cafre ou bleu de cobalt pour les teintures bleues, la coque d'une plante cultivée à Amiens, Toulouse, en Thuringe et en Toscane) évolue et devient plus démocratique grâce, d'une part, à un pharmacien berlinois qui invente par accident le bleu de Prusse et d'autres parts, par les importations massives d'indigo en provenance d'Amérique centrale et des Antilles au moment des grandes découvertes.

Du XIXe siècle à nos jours

Le bleu, devenu une couleur plus facile à obtenir en teinture et donc plus couramment utilisée, la montée de sa popularité est encore accentuée avec la montée du Romantisme : le héros de Werther s'habille en bleu, Flaubert habille Madame Bovary de bleu les jours où elle est mélancolique... Et suivra, en musique, l'apparition du blues, dont la fameuse "note bleue" donne la couleur mélancolique à ce genre de musique.

Le sommet du bleu est atteint en 1850 lorsqu'un certain monsieur Levi-Strauss, tailleur à San Francisco, invente un pantalon en toile jute, de couleur bleue - car la teinture à l'indigo a cela de pratique et économique qu'elle peut se faire à froid, à la différence d'autres teintures - : c'est le premier jean, utilisé comme "bleu de travail" et qui sera bientôt porté par les hommes comme par les femmes...

La place du bleu dans l'arc-en-ciel

En politique, le bleu fut d'abord la couleur des Républicains, mais il a été "poussé" vers le centre jusqu'à finir à droite par le rouge des socialistes et des communistes. Après 14-18, le bleu était devenu symbole de conservatisme.

Et il est étonnant de constater comment il a de nos jours perdu la force symbolique - et religieuse - de ses débuts. Sélectionné, par exemple, pour les drapeaux de l'ONU et de l'Union européenne par élimination des autres couleurs (qui portaient trop de symboles qui ne convenaient pas un ensemble de nations), le bleu semblait seul ne pas froisser l'un ou l'autre pays...

Paradoxalement, ayant perdu de sa force, on peut donc en faire un usage non modéré... d'où son omniprésence !

” Quand je n’ai pas de bleu, je mets du rouge…” Picasso

Le petit livre des couleurs, Michel Pastoureau et Dominique Simonnet, Point Poche.

1.– De l’Antiquité au 12^e siècle, le système de base est tripolaire : le blanc s’oppose au noir et au rouge, qui est « la » couleur par excellence. Ce très ancien système chromatique sert, par exemple, au regroupement trifonctionnel des classes dans la Rome antique, et on le retrouve au Moyen Âge dans la littérature, les fables, les contes (la plus ancienne version du Chaperon rouge remonterait à l’an mil, p. 82). Le lexique des bleus est, en latin, imprécis et instable. Cela ne veut pas dire que les Romains ne voyaient pas le bleu : la rétine humaine n’a pas changé de structure ! Mais la couleur bleue est « silencieuse », c’est-à-dire non intégrée à un système de valeurs (et plutôt associée aux barbares, Celtes et Germains, p. 27).

2.– Le bleu change de statut au 11^e siècle. Il se fixe, dans l’iconographie, comme couleur du manteau de la Vierge. D’abord religieux et marial, il éclate dans les vitraux gothiques (p. 52). Puis il entre en politique : les armoiries familiales des Capet (fleurs de lys sur fond d’azur) deviennent l’emblème du roi de France vers 1130 (p. 60). Le rouge reste impérial et papal, mais le bleu devient royal : c’est la couleur du légendaire roi Arthur. Sa vogue peut même se mesurer : vers 1200, l’azur n’est présent que dans 5 % des armoiries ; vers 1400, la proportion est de 30% (p. 57). Le rouge a gagné un nouveau contraire (p. 83). Les teinturiers en bleu détrônent, dans la corporation, ceux du rouge (pour une belle « mise en roman » de cette lutte dans l’Albigeois vers 1440, voir M. Bleys, Pastel, Paris, Gallimard, 2000).

3.– Entre les 15^e et 17^e siècles, le bleu devient une couleur « morale ». Les lois somptuaires prolifèrent, qui régissent entre autres le vêtement, « premier support de signes dans une société alors en pleine transformation » (p. 88). Il y a des couleurs interdites, et des couleurs prescrites, notamment pour marquer ou stigmatiser. Mais on ne stigmatise pas en bleu : ni prescrit ni interdit, le bleu est libre (p. 93). La Réforme protestante, qui est iconoclaste mais aussi « chromoclaste » (p. 100), assure la promotion du noir vestimentaire. Le bleu en profite et devient une couleur « honnête ». Une nouvelle sensibilité chromatique s’installe : le noir et le blanc quittent l’univers des couleurs. Quand Newton prouve scientifiquement le fait (expérience du prisme, 1666), la mutation culturelle avait anticipé ce changement (p. 208). Et on peut encore voir dans la non-couleur de beaucoup d’objets industriels autour de 1950 (noir des voitures, blanc des appareils ménagers) la marque de cette éthique protestante du capitalisme.

4.– Enfin, du 18^e au 20^e siècle, le bleu triomphe. L’invention, vers 1720, de la gravure en couleurs prépare la réorganisation du système autour de la triade rouge/ bleu/ jaune, futures couleurs primaires (p. 121). Les bleus se diversifient. Côté matériel, la guerre des deux bleus tinctoriaux (pastel européen contre indigo exotique) se lit dans les règlementations étatiques et les luttes coloniales. Vers 1710, une fraude commerciale donne naissance à un nouveau pigment, le bleu de Prusse (p. 133). Goethe (Traité des couleurs, 1810), réaffirme contre Newton la forte dimension anthropologique de la couleur : « Une couleur que personne ne regarde n’existe pas » (p. 138). Et c’est lui aussi qui, avec l’habit bleu de Werther (1774), lance le bleu romantique, celui de la « petite fleur bleue » de Novalis, couleur de la mélancolie et du rêve qui aboutira vers 1870 au « blues » anglo-américain.

Le coin poétique…

Le bleu ne fait pas de bruit.

C'est une couleur timide, sans arrière-pensée, présage, ni projet, qui ne se jette pas brusquement sur le regard comme le jaune ou le rouge, mais qui l'attire à soi, l'apprivoise peu à peu, le laisse venir sans le presser, de sorte qu'en elle il s'enfonce et se noie sans se rendre compte de rien.

Le bleu est une couleur propice à la disparition.

Une couleur où mourir, une couleur qui délivre, la couleur même de l'âme après qu'elle s'est déshabillée du corps, après qu'a giclé tout le sang et que se sont vidées les viscères, les poches de toutes sortes, déménageant une fois pour toutes le mobilier de ses pensées.

Indéfiniment, le bleu s'évade.

Ce n'est pas, à vrai dire, une couleur. Plutôt une tonalité, un climat, une résonance spéciale de l'air. Un empilement de clarté, une teinte qui naît du vide ajouté au vide, aussi changeante et transparente dans la tête de l'homme que dans les cieux.

L'air que nous respirons, l'apparence de vide sur laquelle remuent nos figures, l'espace que nous traversons n'est rien d'autre que ce bleu terrestre, invisible tant il est proche et fait corps avec nous, habillant nos gestes et nos voix. Présent jusque dans la chambre, tous volets tirés et toutes lampes éteintes, insensible vêtement de notre vie.

Jean-Michel Maulpoix© Mercure de France, 1993

déroulement de la visite